NOTES SUR LA COLLECTION : LA SÉDUCTION DE LA BEAUTÉ : UNE INTERVIEW AVEC EBONY G. PATTERSON SUR ….ALORS QUE LA ROSÉE EST ENCORE SUR LES ROSES…

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Dans leur incroyable poème « l’été, quelque part », Danez Smith imagine une sorte d’au-delà sylvestre où des garçons et des hommes noirs jadis morts renaissent et se lient comme des frères d’un destin mortel, mis à part la violence qui a ravagé leur vie antérieure. Dans ….tandis que la rosée est encore sur les roses…, une installation immersive et une exposition à l’affiche au PAMM, qui retrace dix années de travail d’Ebony G. Patterson en peinture, sculpture et vidéo, Patterson cultive un monde semblable à celui que Smith imagine. Son monde est un monde de mélancolie étincelante : des douzaines de chaussures noires scintillantes pendent du plafond comme des chandeliers sans joie ; les fleurs fleurissent en rouge vif et orange et jaune et blanc, des mains et des pieds en verre parmi eux.

Ici, la beauté se mêle à la mort, enveloppant son indifférence frissonnante, l’incrustant. L’effet est réconfortant. Le ton de l’installation est élégiaque mais puissant : Patterson veut que nous voyions, que nous soyons témoins, et la lumière de son travail irradie les injustices brutales qui hantent de façon perverse la vie des Noirs. Après le vernissage de son exposition l’automne dernier, j’ai parlé avec Patterson de la violence, de la mort, du mémorial et de la séduction de la beauté.

Omotosho : En février, j’ai assisté à une représentation de l’œuvre de Carrie Mae Weems, Past Tense. Dès le début, Weems a fait allusion à quelque chose du genre « enterrons nos morts », se référant à la vie d’hommes, de femmes et d’enfants noirs que nous avons perdus à cause de divers actes de violence. Cette ligne est restée en moi et j’y pense souvent quand je pense à ce projet. Pouvez-vous nous parler de la façon dont cette installation sert, en partie, de monument commémoratif, d’hommage à la vie des Noirs qui sont morts si tragiquement ?
Patterson : Bien qu’il s’agisse certainement d’un langage sur la commémoration, ce qui a toujours été très intéressant pour moi, c’est le fait que les gens envisagent des façons de se commémorer eux-mêmes. Ils n’attendent pas que d’autres personnes le fassent, il y a une sorte d’actualisation qui se produit chez la personne et qui est initiée par la personne.

Je me souviens d’une entrevue où cette femme m’a dit qu’elle allait dans un salon funéraire à Kingston pour payer un cercueil qu’elle voulait. Juste l’idée qu’elle comprend que c’est quelque chose qui arrive – et ce n’est pas comme si elle était malade ou quoi que ce soit -, mais qu’elle décidait de la mise en scène complète de sa sortie. Et même avoir des conversations avec ma mère, par exemple, qui a parlé du genre d’enterrement qu’elle veut, du genre d’hymnes qu’elle veut chanter. Cette idée de coordonner son propre mémorial pour s’accrocher au pouvoir quand on n’est plus présent énergétiquement, quand on a laissé son corps, pour moi, est intéressante. Et la possibilité que cela se produise dans l’espace public, où l’on appelle une communauté à venir. C’est une toute autre chose qu’une communauté qui se présente. Et je pense que ce genre d’actualisation par des gens qui n’ont le droit d’être actualisés que d’une certaine façon est vraiment stimulant.

Il y a une agence pour décider comment ils vont quitter ce monde.
C’est vrai, et il y a une sorte de contrepoids à la même société qui les a discrédités. Je me souviens d’une réplique de l’interview : « Ils ne m’ont peut-être pas remarqué, mais ils me verront avant mon départ. » Et j’ai pensé, quelle façon puissante de déclarer votre présence ? Même dans la mort, cette personne comprend que, dans la société, elle n’avait peut-être que très peu de valeur, mais elle reconnaît sa valeur.

Les références religieuses sont nombreuses dans l’installation : l’hymne funéraire dont l’exposition tire son titre ; l’invocation des Quatre Cavaliers inscrite dans l’eschatologie chrétienne ; le dessin en chapelle de la galerie qui abrite …trois rois pleurent…Qu’est-ce qui a inspiré les dimensions religieuse et spirituelle de l’exposition ?
Elle a été inspirée par la pensée historique de l’art sur les types de représentations qui se produisent souvent dans les récits bibliques – l’utilisation de l’auréole d’or, habituellement une teinte de bling sur la surface, et l’idée que l’auréole communique la lumière, quelqu’un qui est éclairé, qu’on touche. Elle était également motivée par des questions particulières : Que signifie l’illumination ? Que signifie l’illumination d’une manière physique ? Comment cela peut-il se manifester sur des gens qui ne sont pas nécessairement vus en ces termes ?

Aussi, comment les gens s’engagent-ils dans l’idée de s’éclairer eux-mêmes ? Je me souviens d’une conversation que j’ai eue plus tôt avec Krista Thompson au sujet de la lumière vidéo et de la façon dont elle crée un moment de visibilité, un moment d’éclat. Il y a la lumière qui vient d’une autre source, mais vous aussi, vous réfléchissez la lumière à cause des vêtements que vous portez ou de la façon dont vous avez choisi de vous parer. En créant beaucoup de lumière sur soi-même, on capture aussi la lumière et on la réfléchit ensuite dans le monde à travers la vidéo comme une sorte de portail qui mène ailleurs.

Je me suis éloigné des points de référence de l’histoire de l’art, et dans notre quotidien, il y a des façons dont ces choses ont saigné dans notre vernaculaire visuel populaire. Par exemple, quand on regarde une photo d’identité, il y a une sorte de déification qui se produit à l’intérieur. Le basculement de la tête est toujours intéressant pour moi. Il y a une sorte de prouesse dans ce moment qui est à la fois une confrontation et une sorte de revendication, une revendication d’affirmation.

Structurellement, en utilisant toutes ces références religieuses, je m’intéresse à l’élévation qui se produit avec des corps qui n’ont pas le droit d’avoir une place ou une élévation particulière, qui n’ont pas le droit d’avoir un pouvoir particulier en raison de leur position dans l’échelle sociale hiérarchique.

Bon nombre des personnages représentés dans les œuvres proviennent d’images effrayantes de leur mort qui circulent sur les médias sociaux. La circulation de ces images, en particulier au cours des dernières années, où l’on a assisté à une augmentation de la documentation vidéo sur les brutalités policières et les meurtres, a donné lieu à des conversations animées et controversées sur la violence et le manque de dignité dont souffrent les Noirs. Pourquoi avez-vous choisi de récupérer ces corps à partir de ces images et de les orner somptueusement dans vos œuvres ?
Mes parents, quand ils grandissaient, étaient des gens de la classe ouvrière et, contrairement à leurs frères et sœurs, ils s’en étaient plutôt bien sortis. J’ai grandi dans une sorte de classe moyenne en Jamaïque, mais on m’a toujours fait prendre conscience que c’était un espace privilégié. J’étais très conscient de mes oncles et tantes qui ont vécu dans des communautés ouvrières, surtout après avoir été à l’école dans une de mes premières écoles secondaires. Je pense que je pourrais faire beaucoup de choses, mais je dois faire ce qui me semble le plus sérieux. C’est le cas de ceci.

Que signifie pour vous « témoigner » ? Pourquoi la double orthographe « ours » dans les titres des œuvres de la série pour ceux qui témoignent ou ne témoignent pas ?
Témoigner demande de l’empathie et de l’espace. Vous reconnaissez qu’il s’agit de quelqu’un d’autre, pas de moi. L’acte de témoigner peut être une chose très vulnérable, de se rendre à un moment qui peut sembler instable. Et surtout avec ce corpus d’œuvres (pour ceux qui portent ou témoignent peu), j’étais vraiment intéressé par les images que je regardais – des images aimées qui sont photographiées sur des lieux de violence, souvent des gens de la classe ouvrière, des gens de couleur – et qui pensent à la photographie comme un outil qui pourrait communiquer du pouvoir (je décide comment je veux être vu dans le monde et ensuite je sors). Mais photographier quelqu’un dans l’un de ses moments les plus vulnérables est aussi un acte de violence en prenant la photo de cette personne et en l’envoyant dans le monde où elle n’a aucun contrôle sur la façon dont elle est vue. Susan Sontag a écrit à ce sujet (On Photography / Regarding the Pain of Others). Si dénudé en termes de vulnérabilité, mais aussi d’ours, comme dans l’acte de porter, il y avait deux choses auxquelles je voulais que le spectateur réfléchisse et s’attaque : la friction entre ces deux mots.